Objetivos 

• Generar nuevos modos de entender el lenguaje plástico. 
• Democratizar los procesos de creación. 
• Presentar nuevas metodologías de trabajo que inciten a los alumnos a entender el medio pictórico como un lenguaje con un sinfín de posibilidades. 
• Perder el miedo al soporte pictórico y a la tradición que acompaña históricamente a la pintura. 
• Promover el intercambio de ideas entre los asistentes.

Sesiones 

La primera sesión tuvo lugar en la Fundación Prodis, empezamos trabajando las emociones a través del color. Tuvieron que elegir un color y explicar por qué se identificaban con ese color, también trabajamos la creación de los colores a través de los colores primarios. Con el color elegido pintaron un plano grande de papel. De modo que cada plano de color representa a cada uno de los participantes del taller, formando entre todos ellos un crisol cromático de aquel día y de aquel momento. Los papeles se dejaron secar unos días y se llevaron al estudio de Guillermo para la siguiente sesión. 

La segunda sesión se desarrolló en el estudio de Guillermo. Fue una oportunidad muy buena para que los jóvenes conocieron su espacio de trabajo, y también pudieron ver algunas de sus obras más recientes. Guillermo tenía preparado el soporte de 200 x 150cm sobre el que trabajaron ese día. Cada uno colocó y pego su plano de papel sobre el soporte, creando un collage con todos. Los planos de color los pegaron con pintura que, hacia el papel del pegamento, cada uno pegó su pieza de forma libre y eligiendo el lugar donde querían ponerla. La pieza se dejó secar 3 días para poder continuar con la última sesión. 

Esta sesión final tras el secado de la pieza, Guillermo les enseño cómo ir despegando el papel de la superficie, para ir desvelando la imagen y las capas que quedan escondidas tras la superficie pictórica. El resultado sería una sorpresa porque dependía de los gestos que usaron para el pegado y por donde decidieran arrancar el papel.  

La finalidad de esta propuesta es hacer entender a los alumnos la concepción de una nueva imagen pictórica y hacer que se sumerjan directamente en los procesos creativos del artista. 

El taller fue un éxito, descubrieron nuevas formas de crear y todos ellos se sintieron identificados con la obra porque se veían reflejados en sus colores. Fue un trabajo en equipo y también aprendieron a confiar y trabajaron la paciencia porque en muchas ocasiones sus colores se vieron tapados por otros, pero al final al arrancar los papeles de la capa superior aparecían.  

Objetivos 

• Fomentar la colaboración y la comunicación efectiva entre los participantes, promoviendo un ambiente de apoyo y cooperación. 

• Explorar y utilizar diversos materiales no convencionales para ampliar las habilidades y la creatividad de los participantes. 

• Analizar y comprender el impacto de los pliegues en la iluminación y las sombras, y cómo esto puede influir en la percepción y el diseño de las formas. 

• Desarrollar y mejorar la destreza manual a través de actividades que requieran movimientos precisos y controlados. 

• Potenciar la motricidad fina. Aumentar la capacidad de realizar tareas con exactitud y atención al detalle, mejorando la calidad del trabajo y la satisfacción personal 

Sesiones 

El taller comenzó con una explicación de las metáforas, para introducirnos en la obra y comprender bien el mensaje que queríamos transmitir. David explicó que la pieza final representaba una isla desierta desde la cual enviaríamos un mensaje al mundo en una botella que lanzaríamos al mar. 

Realizamos una lluvia de ideas sobre los problemas que nos preocupaban a cada uno y cómo podríamos solucionarlos. Belén habló del maltrato animal y destacó la importancia de respetar y cuidar a los animales y al planeta. Juan señaló el problema de la sequía mundial y la necesidad de usar el agua de manera responsable. Raúl y Helena reflexionaron sobre las guerras en el mundo y subrayaron la importancia de respetarnos, trabajar en la tolerancia y fomentar la paz y el amor entre todos. Una vez terminadas las reflexiones en la que todos dieron su opinión y explicaron el mensaje que querían enviar al mundo, comenzamos a escribir la carta entre todos. En un folio y con lápices de colores cada uno escribió el mensaje positivo que querían enviar: “amor, paz, respeto, unidad familiar, cuidar el planeta…” Esta carta irá enmarcada y tapada con el mismo fieltro de la pieza final y formará parte de la obra.  

En las siguientes sesiones, desarrollamos todo el trabajo manual, que consistía en varios pasos. Para ello, formamos grupos de trabajo, cada uno encargado de una tarea específica. Unos comenzaron a marcar las medidas exactas sobre el fieltro, que luego otro equipo cortaba con cúteres o tijeras.  

Estos fieltros tenían forma de cuadrados, los cuales formarían la base de la obra. Para ello, elegimos unos colores específicos: el color tierra representaba la arena de la isla, dos tonos de azul hacían alusión al mar, y dos tonos de rosa se utilizaron para agregar alegría a la composición. El siguiente paso consistió en planificar la disposición de estos colores en la base.  

A continuación, crearon los pliegues en los fieltros de manera que se formasen triángulos, que luego se pegarían sobre la base de los cuadrados. Cada joven eligió libremente dónde colocar su triángulo y en qué dirección querían que estuviera, jugando con los pliegues para lograr el efecto deseado. 

Por otro lado, había un grupo encargado de cortar el polipropileno, un material plástico utilizado para darle rigidez a la obra. Está tarea fue más ardua y necesitaron más ayuda porque a la hora de cortar las medidas exactas resulto más complicado y nos llevó más tiempo. Con esfuerzo y paciencia el equipo encargado lo consiguió.  

Para el pegado de los fieltros y el polipropileno, utilizamos cola blanca e hicimos un trabajo en cadena, unos ponían la cola con un pincel en el plástico y otros lo pegaban al triángulo de fieltro que ya estaba en la base. De esta manera los pliegues de los triángulos quedaban rígidos y le daban consistencia y volumen a la obra. 

David consideró buena idea regalares a cada uno de los chicos una copia de la carta que habían escrito entre todos. En cada copia, añadió un dibujo único, simulando los dibujos de sus bocetos con rotuladores de colores. Estas cartas las enmarcamos y se las dimos sorpresa a todos los jóvenes para que tuvieran un recuerdo del taller con David Rodríguez Caballero.  

Como broche final a este taller, visitamos el estudio de David, donde tuvimos la oportunidad de admirar algunas de sus esculturas finalizadas. Además, tuvimos el privilegio de presenciar en primicia la maqueta del trofeo del Mutua Madrid Open 2024. David nos mostró los trofeos de los años anteriores y nos explicó las inspiraciones detrás de cada uno, así como los materiales utilizados en su elaboración. Luego, fuimos recibidos en Capa Esculturas, donde nos llevaron en un recorrido por toda la fundición. Fue fascinante observar el proceso completo que sigue cada pieza, desde el principio hasta el fin, y apreciar el cuidado meticuloso que se dedica a cada detalle. 

Finalmente, tuvimos el privilegio de presenciar en directo la fundición del premio del Mutua Madrid Open 2024, una experiencia verdaderamente maravillosa para los jóvenes participantes. 

Objetivos 

• Introducir un nuevo material a los jóvenes: Familiarizar a los participantes con el barro como material de trabajo, destacando sus características y posibilidades creativas. 

• Explorar los sentidos a través del barro: Fomentar la exploración sensorial, permitiendo que los jóvenes experimenten las texturas, temperaturas y propiedades del barro, potenciando así su conexión sensorial y emocional con el material. 

• Trabajar la motricidad fina, la presión y la coordinación: Desarrollar habilidades motoras finas, a través de actividades que impliquen manipulación precisa del barro, control de la presión aplicada y mejora de la coordinación mano-ojo. 

• Aprendizaje a través del juego de la rayuela: Utilizar la rayuela para enseñar conceptos y habilidades de forma lúdica, integrando el barro en el proceso. 

Sesiones 

En la primera sesión, Jacinto introdujo el juego de la Rayuela, el cual muchos de nosotros ya conocíamos, y dimos inicio al taller jugando. Cada uno de los chicos dibujó en el suelo un cuadrado y escribió el número correspondiente utilizando tizas de colores. Desde el principio, trabajamos la orientación espacial, la coordinación y también la interacción social, ya que todos estábamos involucrados en el juego. 

Una vez que la rayuela estaba terminada, empezamos a jugar. Andrés lanzaba la piedra en cada cuadrado y todos los chicos fueron saltando, esperando su turno.  

En la segunda parte de la sesión, introdujimos a los chicos al nuevo material. Cada uno cogió un poco de barro para empezar a experimentar con él. Hicimos una bola y nos la fuimos pasando con los ojos cerrados, describiendo la temperatura que sentíamos o a qué nos recordaba cada bola que nos llegaba de nuestro compañero. Fue un ejercicio muy bonito porque cada uno hizo una reflexión diferente y trabajamos mucho el sentido del tacto. 

Jacinto no solo nos introdujo al juego de la Rayuela, sino que también compartió una analogía fascinante sobre la cerámica. Destacó la “magia del horno”, comparándola con el proceso creativo. Mencionó cómo, al igual que al hornear cerámica, uno puede tener una idea clara de cómo empieza la pieza, pero nunca está completamente seguro de cómo va a resultar. El color cambia y la forma puede transformarse, añadiendo una emoción adicional al proceso creativo. 

Jacinto enfatizó la importancia de la paciencia y la dedicación en el arte de la cerámica. Explicó que, al igual que en el proceso de cocción de la cerámica, si las piezas no están bien unidas, pueden romperse. Por lo tanto, recomendó hacer varias unidades de cada pieza, como precaución ante posibles contratiempos. Esta analogía no solo ilustró la importancia de la perseverancia y la preparación en la creación artística, sino que también nos inspiró a abrazar la incertidumbre y la transformación como parte integral del proceso creativo. 

En el segundo taller nos organizamos en distintos equipos: unos se dedicaron a realizar los cuadrados de la rayuela haciendo 4 líneas, mientras que otros se encargaron de los números. Los cuadrados consistían en cuatro lados que debíamos elaborar por separado antes de unirlos. Para garantizar que todos los cuadrados y números tuvieran el mismo tamaño, utilizamos moldes como referencia.  

El contacto con el barro diferente para todos, Begoña utilizo sus guantes para trabajarlo porque prefería no mancharse, David disfrutó mucho haciendo los “palitos” porque fue encontrando la presión necesaria para que quedaran de un grosor concreto e Ignacio fue un auténtico experto en organizar los cuadrados del mismo tamaño. 

El siguiente paso era unir los palos para formar el cuadrado, para ello utilizaron una masa que había preparado Jacinto con antelación humedeciendo el propio barro y dejándolo secar. Nos enseñó que el propio barro hacía la función de pegamento. Lo primero que tenían que hacer era unas líneas sobre la superficie que iban a pegar, después con un pincel o con los dedos incorporar el pegamento y para terminar unir las piezas y amasar bien el punto de unión para que no quedara marca. Este proceso era más meticuloso y Cristina o Diego lo disfrutaron mucho porque son muy minuciosos.  

El último paso fue pintar todas las figuras. Cada uno de los chicos eligió un color: verde, rosa, azul, amarillo, naranja… Todos los colores que Jacinto nos ofreció eran tonos pasteles, pero nos avisó que después de pasar por el horno esos colores se intensificarían. Una curiosidad de esta pieza final es que el número siete está al revés y se decidió dejarlo así porque lo diferente es especial y único. A la hora de pintar, y sin darnos cuenta, solo pintamos un lado, dejando el otro del color natural del barro. Este proceso creativo demuestra cómo las imperfecciones y decisiones espontáneas pueden aportar singularidad y valor a la obra final. 

Una vez finalizadas las piezas y secas, Jacinto se las llevó a su estudio para hornearlas en fases. Este proceso le dio muchas sorpresas, y afortunadamente, hicimos piezas adicionales para poder completar una rayuela. La pieza de arriba del todo, el cielo (“heaven”), fue una contribución especial de Jacinto, quien quiso añadir su toque artístico a nuestra rayuela. Esta aportación no solo enriquece el valor artístico de la rayuela, sino que también aporta un sentido de colaboración y creatividad compartida en el proyecto. 

El uso de cobre no solo proporciona una fuerte unión entre los segmentos de la rayuela, sino que también añade un elemento estético distintivo. Esta técnica no solo garantiza la estabilidad estructural de la rayuela, sino que también resalta el diseño artístico, creando un efecto visualmente impactante y cohesivo. 

Objetivos 

• Desarrollar la capacidad de reconocer y diferenciar diversas formas y figuras. 

• Fomentar la observación detallada y el análisis de los elementos visuales presentes en el entorno. 

• Introducir a los jóvenes en el concepto de abstracción en el arte. 

• Estimular la creatividad mediante la interpretación subjetiva de la realidad. 

• Experimentar con la técnica de superposición para generar profundidad y dinamismo en las obras. 

• Desarrollar habilidades manuales y técnicas para cortar, pegar y ensamblar materiales de manera efectiva. 

Sesiones 

La primera sesión del taller de Kiko Pérez, llevada a cabo en la Fundación Prodis, fue una experiencia enriquecedora y llena de descubrimientos para los jóvenes participantes. Kiko Pérez les introdujo a su mundo artístico llevando varias fotos de las paredes de su estudio. Estas paredes están cubiertas de manchas de pintura, resultado de su proceso creativo y experimental. Las paredes las utiliza para limpiar pinceles, probar colores y formas, convirtiéndolas en un testimonio visual de su trabajo. Los jóvenes quedaron sorprendidos y fascinados por la cantidad y variedad de manchas presentes en las fotos. 

La actividad inicial consistió en observar detenidamente las fotos de las paredes y buscar figuras o formas en las manchas. Los jóvenes hicieron asociaciones y similitudes entre las manchas, identificando figuras que les resultaban familiares o que estimulaban su imaginación. Cada uno eligió varias formas que encontraron interesantes o que les inspiraban de alguna manera.  

Las manchas seleccionadas servirían como base para la siguiente actividad del taller. Primero, proyectamos la imagen de la pared sobre el cartón de nido de abeja, nuestra base de trabajo. Luego, cada uno de los chicos dibujó el contorno de la figura elegida en el cartón. El siguiente paso consistió en recortar las siluetas con cúter, tarea realizada por Raúl e Ignacio. Después, Inés, Begoña y Cristina aplicaban masilla blanca en los bordes de las figuras utilizando un pincel o sus dedos. Finalmente, Helena y Diego, junto con otros compañeros, lijaban las piezas para que los recortes quedaran lisos y sin rugosidades. 

A continuación, con cola de contacto, pegamos las figuras sobre la base de cartón y, por otro lado, recortamos otras de manera que se crearon las siluetas de las figuras con profundidad. Finalmente elegimos los colores entre todos y cada uno pintó una parte de la obra. Fue un momento más libre para todos y lo disfrutaron mucho.  

Para terminar el taller, Kiko Pérez nos invitó a su estudio para conocer sus famosas paredes y entender su trabajo. Kiko trabaja con madera, y como es un material más difícil de manejar, nosotros realizamos la obra sobre cartón, pero siguiendo los mismos pasos. Pudimos ver e incluso probar las herramientas que utiliza para cortar la madera y las protecciones que se pone para no hacerse daño. 

La visita al estudio fue mágica: contemplamos la obra finalizada e hicimos el ejercicio del principio del taller a la inversa, buscando las figuras del cuadro en las paredes. También jugamos a pasear por la obra y reflexionar sobre lo que nos transmitía, a qué nos recordaba, qué nos hacía sentir, etc. Por último, como todo artista, firmamos la obra. Todos los jóvenes, junto con Kiko, pusieron su nombre por detrás y, para terminar, hicimos una lluvia de ideas para elegir el título de la obra. El elegido fue “Piedras del verano” 

Objetivos 

• Utilizar el juego del tangram como herramienta principal para el aprendizaje. 

• Familiarizar a los participantes con las formas geométricas básicas, como triángulos, cuadrados, romboides, a través de actividades prácticas y lúdicas como el uso del Tangram. 

• Fomentar la habilidad de los participantes para identificar similitudes y patrones entre diferentes elementos, promoviendo una comprensión más profunda de la relación entre formas y conceptos. 

• Explorar y practicar diversas técnicas de pintura, como el uso de acrílicos, acuarelas, técnicas mixtas, entre otras, para desarrollar habilidades artísticas y creativas en los participantes, permitiéndoles experimentar y expresarse a través del arte de manera más completa y diversa. 

Sesiones 

La primera sesión se llevó a cabo en la Fundación Prodis, donde comenzamos con la explicación del juego del tangram, observando imágenes y comprendiendo su dinámica. Posteriormente, examinamos una serie de obras de Miki, quien nos ofreció explicaciones sobre algunas de ellas, incluyendo su inspiración, técnicas utilizadas y elementos recurrentes como corbatas, rayas, superposición de elementos, plátanos o pájaros. Los jóvenes se sumergieron en cada cuadro, explorando los diversos elementos presentes en ellos.  

Durante esta sesión, cada uno de los jóvenes realizó un boceto que serviría de guía para la creación de la pieza final, que se realizaría al día siguiente en el estudio de Miki. Cada participante eligió una de las piezas del tangram (triángulo, cuadrado o romboide) y utilizó materiales diversos para plasmar en ellas elementos de las obras de Miki y su manera de entenderlos. Por ejemplo, Cristina se inspiró en las pistas de tenis porque las líneas divisorias le recordaban a dibujos de ventanas y decidió hacer ventanas de colores. Diego se enfocó en las corbatas y pelotas de colores, Patricia se interesó por los plátanos, Juan optó por dibujar animales que es tu tema preferido porque había observado rasgos de la naturaleza en algunas obras de Miki. Lucía, experta en la técnica del “dropping”, encontró similitudes entre los puntitos que aparecen en algunos cuadros de Miki y los que ella realiza con su “pincel mágico”.  

La segunda sesión tuvo lugar en el estudio de Miki en la Nave Oporto. Allí, nos recibió con los bocetos colgados en la pared y mesas preparadas con diversos materiales para que los participantes eligieran. Las piezas del tangram se elaboraron sobre cartón nido de abeja, por ser resistente y fácil de manejar. Los jóvenes trabajaron con acuarelas, rotuladores, témperas y lápices de colores para plasmar sus bocetos sobre la pieza final. Cada uno creó una o incluso dos piezas que al combinarse formarían las siluetas del monje. El resultado final iba a ser una sorpresa porque cada pieza del tangram la estaban realizando por separado y hasta que no las juntáramos no sabíamos cómo iba a quedar.  

El trabajo en las piezas finales estaba inspirado en los bocetos del día anterior y se sintieron muy libres porque combinaron su forma de trabajar, sus gustos y metodología con elementos que destacaron de las obras de Miki. Fue muy inspirador ver como hacían esas similitudes y conexiones entre su forma de hacer y la de Miki.   

Finalmente tuvimos la oportunidad de conocer a otros artistas que comparten el estudio con Miki y pudimos admirar sus obras. Nos recibieron con una sonrisa y ayudaron a los jóvenes en la elaboración de sus obras. Fue una sesión muy enriquecedora para todos, ya que nos alegramos de haber conocido a otros talentosos artistas y su manera de trabajar.