Objetivos

• Fomentar la creatividad individual y colectiva mediante el uso del óleo en barra, un material novedoso para los participantes. 
• Desarrollar habilidades técnicas relacionadas con la preparación de lienzos y el manejo de distintos recursos plásticos. 
• Promover el trabajo colaborativo, la escucha activa y el respeto por las ideas del grupo durante todo el proceso artístico. 
• Estimular la reflexión sensorial y emocional a través del arte, conectando la creación plástica con experiencias personales y colectivas. 

Sesiones

Sesión I – Preparación y experimentación

La jornada inicial estuvo dedicada a preparar los soportes sobre los que se trabajaría en las siguientes sesiones. En un ambiente colaborativo, los jóvenes aprendieron a montar un lienzo desde cero, estirando la tela y fijándola al bastidor con ayuda de Miguel. Esta actividad, más allá de ser técnica, involucró coordinación, esfuerzo físico y trabajo en equipo. 

Antes de comenzar con las obras finales, se realizaron prácticas en tablillas de madera previamente imprimadas con gesso. Los chicos experimentaron con el óleo en barra, descubriendo sus texturas, posibilidades y modos de aplicación. La libertad con la que se acercaron al material derivó en momentos de mucha creatividad… ¡y también de pintura por todas partes! Esta fase permitió que cada uno encontrara su propia forma de expresarse con esta técnica. 

Sesión II – Creación colectiva en dos lienzos

El segundo día se centró en trabajar sobre los lienzos grandes preparados el día anterior. Divididos en dos grupos según su afinidad cromática y su estilo de aplicación, cada participante eligió un color y comenzó a intervenir el lienzo. Las técnicas fueron tan variadas como las personalidades del grupo: desde trazos suaves hasta capas más intensas, pasando por el uso de lija, papel de cocina o la aplicación directa de color. 

Miguel se mantuvo atento a cada proceso individual, guiando según las necesidades de cada obra. El reto mayor fue mantener el equilibrio entre la expresión personal y el trabajo colectivo. Se practicó el autocontrol y la negociación artística, ya que todos querían dejar su huella sin romper la armonía del conjunto.

Al final, se discutió la orientación de cada pieza y se reflexionó sobre posibles ajustes o añadidos, promoviendo un diálogo enriquecedor entre ellos.

Sesión III – Reflexión y cierre en el estudio de Miguel Marina

El taller culminó con una visita al estudio del artista, un espacio inspirador donde se respiraba arte en cada rincón. Esta sesión estuvo dedicada a afinar y equilibrar las obras finales, observándolas desde nuevas perspectivas. Miguel incentivó a tomar distancia y mirar con otros ojos, lo que llevó a intervenciones más conscientes y refinadas.

El momento más emotivo fue el ejercicio sensorial: frente a cada obra, los participantes compartieron lo que les transmitía. Una pieza, dominada por los azules y marrones, evocó el mar, los acantilados y la fuerza del oleaje, generando sensaciones de frialdad y movimiento. La otra, con tonos rojizos y tierra, inspiró imágenes del desierto y contrastes entre humedad y sequedad. 

Este cierre permitió conectar el arte con las emociones, con la imaginación y con vivencias personales. Como broche final, se votaron nombres para las obras, resultando elegidos “Aguas frías, 2024” y “Farola roja, 2024”. Así concluyó un taller que dejó huella por su capacidad de unir técnica, emoción y comunidad creativa. 

Objetivos 

• Explorar técnicas contemporáneas de pintura mediante el uso del óleo sobre paneles de aluminio como soporte alternativo al lienzo tradicional.
• Fomentar la experimentación libre y el aprendizaje a través del proceso, sin miedo al error, utilizando capas, veladuras y métodos de borrado como parte del desarrollo artístico.
• Desarrollar la capacidad de concentración y atención al detalle, combinando diferentes tipos de pinceladas y momentos de trabajo más reflexivo.
• Potenciar el trabajo colaborativo y la toma de decisiones colectivas, compartiendo espacios de creación y elaboración conjunta de una obra pictórica. 

Sesiones

Sesión I – Presentación y exploración de materiales

La primera sesión del taller comenzó con la presentación del artista Jerónimo Elespe y una introducción a la técnica de acrílico sobre paneles de aluminio. Para los jóvenes, fue un descubrimiento enfrentarse a un soporte tan diferente como el aluminio, que al no absorber la pintura genera un comportamiento diferente al del lienzo. El acrílico se deslizaba fácilmente, permitiendo borrar y modificar sin dificultad. Se animó al grupo a experimentar sin miedo, trabajando con brochas gruesas y gestos amplios para aplicar las primeras capas. El papel de cocina fue una herramienta clave en esta fase, utilizado tanto para borrar como para difuminar zonas de la pintura, generando efectos sutiles e inesperados. 

Sesión II – Desarrollo de capas y primeras veladuras

En la segunda sesión, los jóvenes continuaron desarrollando las obras a través de la superposición de capas. La técnica del acrílico sobre aluminio favorecía la construcción de imágenes por acumulación, y esto les permitió jugar con la profundidad, el color y la transparencia. Además del uso de brochas, comenzaron a incorporar pinceles más finos, iniciando una transición hacia un trabajo más detallado. Durante esta etapa, surgieron espontáneamente formas y siluetas curiosas, que captaron la atención del grupo. En lugar de cubrirlas con nuevas capas, decidieron dejarlas visibles, integrándolas como elementos expresivos dentro de la obra. Este tipo de decisiones mostraban ya un nivel de atención y sensibilidad en el proceso pictórico. El papel de cocina seguía siendo un recurso habitual para borrar, suavizar contornos o matizar zonas de color. 

Sesión III – Profundización y diálogo entre lo gestual y lo preciso

La tercera sesión mantuvo esa dinámica de alternancia entre lo gestual y lo minucioso. Se aplicaron nuevas capas que a veces cubrían parcialmente lo anterior, y otras veces dejaban que las capas inferiores dialogaran con lo nuevo. El grupo aprendió a utilizar la pintura como un lenguaje que se construye a lo largo del tiempo, entendiendo que cada acción pictórica podía ser modificada, matizada o resaltada más adelante. La atención a los detalles aumentó, y el ambiente de trabajo se volvió más silencioso y concentrado. Era evidente que los chicos estaban inmersos en el proceso creativo, cada vez más conscientes de lo que hacían y por qué lo hacían. 

Sesión IV – Cierre en el estudio de Jerónimo

La última sesión tuvo lugar en el estudio de Jerónimo Elespe, lo cual supuso un cambio significativo en el contexto y la energía del grupo. Las dos láminas fueron dispuestas sobre una gran mesa, y el único material que se utilizó fueron pinceles finos. Fue una sesión centrada en los remates, los pequeños gestos, los puntos de color y las intervenciones precisas. Cada participante aportó desde su mirada, sumando detalles sutiles que enriquecieron la composición general. Fue un momento de síntesis, donde lo aprendido en las sesiones anteriores se aplicó de manera contenida y reflexiva. 

Objetivos 

• Iniciar al grupo en la técnica del grabado con monotipos. 
• Recuperar el uso del tórculo como herramienta artística en la Fundación. 
• Estimular la creatividad individual a partir de la temática de la noche. 
• Fomentar el trabajo colaborativo en torno a una obra colectiva. 

Sesiones

Sesión I: Introducción, dibujo y primeras impresiones 

Silvia presentó el taller y explicó la técnica del monotipo, despertando gran interés entre los participantes. Lo más destacado fue la reactivación del tórculo, que Silvia decidió utilizar tras verlo en desuso en la Fundación. Como introducción, mostró algunas de sus propias obras y trajo imágenes de Joan Miró para inspirar al grupo. 

A partir de la temática de la noche, los participantes comenzaron a dibujar libremente elementos como lunas, estrellas y constelaciones. Sus creaciones fueron tan espontáneas y ricas que apenas necesitaron referencias externas. Luego, calcaban sus dibujos sobre acetato con rotulador negro y los recortaban con cúter, con apoyo si era necesario. 

Hacia el final de la sesión comenzaron a estampar las primeras siluetas en color naranja. Silvia enseñó cómo aplicar la tinta con rodillo y pasar las piezas por el tórculo. Fue muy emocionante ver la reacción del grupo al levantar el acetato y descubrir la impresión. Las obras se dejaron secando para continuar en las sesiones siguientes. 

Sesión II: Grabados en azul y exploración de composiciones 

En esta sesión se continuó el proceso de impresión, ahora con el color azul. Cada participante eligió qué siluetas estampar en este tono. Mientras algunos usaban el tórculo, otros comenzaron a experimentar con la disposición de las figuras para la obra final. 

Silvia trajo varios fondos creados por ella misma con monotipos en negro, sobre los cuales se probaron distintas combinaciones. Esto permitió integrar su trabajo dentro de la creación colectiva, generando un diálogo artístico muy enriquecedor. El grupo mostró gran iniciativa en organizar sus piezas y aportar ideas para la composición global. 

Sesión III: Color rojo y creación de dos obras 

El tercer encuentro comenzó con la última fase de estampación, utilizando el color rojo. Una vez finalizado este paso, el grupo se dividió en dos subgrupos, cada uno encargado de montar una composición final con las siluetas ya impresas. 

Cada grupo trabajó de forma colaborativa, decidiendo cómo disponer las figuras y qué querían transmitir con ellas. Al finalizar, compartieron con el resto del grupo sus ideas y explicaron el mensaje detrás de su montaje. Esta dinámica fortaleció el trabajo en equipo y permitió dar forma a dos obras muy distintas, pero igualmente personales y expresivas. 

Sesión IV: Visita al estudio y montaje final 

La última sesión se realizó en el estudio de Silvia, un espacio amplio y auténtico que impresionó al grupo. Allí, Silvia había preparado dos grandes fondos grabados por ella. Sobre estos papeles, cada participante fue colocando su silueta, eligiendo cuidadosamente el lugar más adecuado. 

Una vez que todas las figuras estuvieron sobre los fondos, el grupo las movió, debatió y reorganizó hasta llegar a una composición final que convenciera a todos. Para cerrar, se realizó una lluvia de ideas para titular ambas obras: cada persona propuso un nombre y luego se votó para decidir los definitivos. Fue un cierre emocionante, que reforzó el sentimiento de autoría compartida y celebró el proceso artístico vivido por todos. 

Objetivos

• Conectar la experiencia personal con la creación artística 
• Fomentar que los jóvenes representen sus vivencias a través de recorridos reales o imaginarios como forma de expresión creativa. 
• Introducir a los participantes en el arte textil contemporáneo acercándoles técnicas como el uso del fieltro y la costura a máquina, explorando nuevos lenguajes visuales. 
• Fomentar el trabajo colectivo desde la individualidad valorando cada aporte personal como parte esencial de una obra común, promoviendo la colaboración y el respeto mutuo. 
• Desarrollar el pensamiento estético y la toma de decisiones visuales potenciando la reflexión sobre el color, las formas y la composición, incentivando elecciones conscientes y significativas

Sesiones

Sesión I – Inspiración y creación de los recorridos

En la primera jornada, Sonia Navarro compartió con el grupo varias de sus obras, realizadas principalmente con cuero y fieltro. Este momento permitió a los jóvenes conocer su lenguaje artístico, así como explorar nuevas posibilidades dentro del arte textil contemporáneo. 

Sonia propuso una actividad creativa basada en recorridos personales, reales o imaginados. Los chicos eligieron lugares significativos, desde sitios locales hasta destinos internacionales. La única condición que tenían era que su viaje debía empezar y terminar en el mismo punto. De esta manera se creaban siluetas cerradas y todas ellas diferentes.

Algunos ejemplos de los recorridos elegidos incluyeron espacios locales como el Parque del Retiro, la Puerta del Sol o el Museo del Prado, mientras que otros imaginaron viajes lejanos, como a Japón, las Maldivas, Suiza, París o el Reino Unido. Esta actividad no solo favoreció la expresión personal, sino también la conexión emocional con los lugares significativos para cada uno. Una vez terminados los recorridos, cada uno los compartió con el grupo, explicando el sentido de su viaje. Este intercambio fue muy enriquecedor y permitió reforzar el respeto mutuo y el conocimiento entre compañeros.

Sesión II – Producción en grande y composición colectiva

Durante la segunda jornada, se retomaron las siluetas diseñadas y se trasladaron a un formato mayor para ser recortadas sobre papel. En paralelo, se realizó una dinámica grupal para elegir la paleta de colores de la obra: se optó por tonos azules, que evocaban el cielo y el mar presentes en muchos de los viajes, y por marrones, que remiten a las ciudades, caminos y paisajes recorridos. 

Con todas las siluetas ya listas, Sonia propuso una composición. Fue especialmente interesante observar cómo algunas siluetas coincidían en sus formas, permitiendo uniones naturales entre los recorridos de distintas personas. Esta etapa puso en valor el trabajo colectivo, mostrando cómo cada experiencia individual podía contribuir a una creación común, rica en diversidad y significado.

Sesión III – Trabajo en el estudio del artista

La tercera jornada tuvo lugar en el estudio de Sonia Navarro, un espacio íntimo donde el proceso artístico cobra vida. Allí, Sonia tenía preparados los fieltros de colores, y cada uno de los participantes contaba con su silueta de papel, que representaba su viaje. La tarea consistía en recortar las siluetas en fieltro, trasladando sus recorridos personales al material textil. 

Una vez listas todas las piezas, se trabajó en la composición final sobre la base de la obra. En este momento, el grupo pudo experimentar directamente con la textura y flexibilidad del fieltro, aportando una nueva dimensión táctil a sus creaciones. 

Sonia les mostró cómo utiliza su máquina de coser, una herramienta que considera muy valiosa y que trata como una auténtica joya. Compartió con los jóvenes su visión sobre la importancia de la artesanía y del trabajo hecho a mano, reforzando la idea de que el arte no solo comunica, sino que también se construye con dedicación, técnica y cariño por el proceso. 

Este cierre del taller en su propio espacio de trabajo permitió a los jóvenes vivir una experiencia artística completa, integrando la inspiración, la creación individual y el esfuerzo colectivo en una obra textil llena de sentido y emoción. La decisión del título para esta obra surgió de manera muy natural y decidieron llamarla “Nuestros Caminos soñados”, destacando que “nuestros” representa la diversidad del grupo y “soñados” la importancia de imaginar, desear y crear desde los propios anhelos.